Nujood

Nojoom en mundo de machos

Derechos Humanos

“Las [mujeres] casadas estén sujetas a sus propios maridos, como al Señor; porque el marido es cabeza de la mujer, así como Cristo es cabeza de la iglesia, la cual es su cuerpo, y él es su Salvador. Así que, como la iglesia está sujeta a Cristo, así también las casadas lo estén a sus maridos en todo.” (Efesios 5: 22-24)

“La mujer aprenda en silencio, con toda sujeción. Porque no permito a la mujer enseñar, ni ejercer dominio sobre el hombre, sino estar en silencio. Porque…Adán no fue engañado, sino que la mujer, siendo engañada, incurrió en transgresión.” (1 Timoteo 2: 11-14)

“Él os creó de un solo ser; a partir de él creó a su compañera…” Corán (39:7)

Nojoom
Mujeres en mundo de hombres, de machos. Desde el inicio. Dios es cómplice y aliado. De la costilla de Adán, “crearían” a la mujer. A ella la hicieron débil, así la creyó una criatura de Dios, la serpiente. Desde esas “verdades” escritas, ya la mujer quedaría a expensas y subordinación de su marido, el hombre. Y al final, todas las culturas de manera coincidente abanderarían esas premisas. Desde siempre, hasta el mismo Dios tiene una connotación masculina. Las religiones las administran y presiden los hombres. Desde el judaísmo, pasando por el cristianismo y el islamismo (RAE).

El islam y sus hombres

AL-NISA
“No hay más dios que Alá y Mahoma es su profeta” es el pilar fundamental de la profesión dentro del islam. Religión monoteísta más estricta en cuestiones espirituales. El musulmán; el creyente, se somete. Cumple al pie de la letra el Corán. Como toda religión, el islam rige la vida social y espiritual de Oriente Próximo y Oriente Medio. A estas alturas, dese la India hasta África del Norte.
La ignorancia es la traba para la evolución y la armonía en el hombre (la humanidad). Ignorancia y religión son aliados perfectos. Donde hay más ignorancia ahí domina la religión. ¿Primero la ignorancia o primero la religión, o viceversa? Ignorancia, femenina como género gramatical (conlleva la culpa hasta en su mismo significado). La ignorancia es la culpable de frenar nuestro desarrollo como personas y como sociedad.
El varón se convierte en macho; fuerte, vigoroso, valiente frente a los de su condición y con la mujer. Machista. Un macho de campo contra un macho de ciudad. ¿Quién es propio de más ignorancia? Las tribus en sus aldeas. Y muchos grupos étnicos en sus pueblos. En la cultura de algunas poblaciones, sus leyes políticas, económicas y sociales están regidas por los usos y costumbres, que son recopiladas gracias a sus interpretaciones tradicionales.
En la actualidad, hablar de musulmanes es hacer referencia a terroristas y a una cultura machista que domina y somete a la mujer. Sin embargo, en esencia no es así, ya que el Corán nunca ha promovido esas formas de actuar. Es el varón machista que con su astucia crea reglas en nombre de Dios para someter a los más ignorantes, entre ellos, la mujer. Muchos de estos hombres viven en las aldeas o pueblos alejados de las ciudades y la mayor de las veces migran a las ciudades, llevando consigo sus tradiciones.

Matrimonio infantil

No hay filme medio oriental en el que se evoque a Alá, al Corán y al musulmán. Las cuestiones sociales de la niñez, las mujeres y los hombres son principalmente, el tema central. Me Llamo Nojoom, Tengo Diez Años Y Quiero El Divorcio (2014)  de la directora Khadija Al-Salami es una de las últimas producciones exhibiéndose en México, y especialmente en el 36 Foro Internacional de la Cineteca Nacional. Este trabajo está inspirada en el best seller, I Am Nujood, Age 10 and Divorced escrita por Nujood Ali, en el cual cuenta los hechos reales que vivió con solo 10 años de edad.
Mahoma tuvo varias esposas. Aisha entre una de ellas. Según la tradición oral, ella tenía 7 años y él 53 al unirse. El matrimonio se consumó cuando ella tenía 9 años. Y es a través de esa tradición oral que muchos musulmanes justifican sus actos de comprometer y casar a sus hijas desde muy temprana edad.
Los hombres musulmanes, conforme a su ignorancia confieren sentido al Corán conforme a sus necesidades. Así lo convierten en costumbre. Ningún religioso pone en práctica al pie de la letra las enseñanzas de sus profetas. El problema está en la hipocresía. Aparentar ser buenos samaritanos cuando en verdad no es así. Y juzgamos. Y cometemos daño.
El Corán nunca hace referencia al matrimonio infantil ni mucho menos a maltrato físico de la mujer. Y si lo indiciara, no precisamente debería entenderse de forma literal. Han pasado cerca de 1450 años desde la creación del islam y se continúa leyendo los escritos al pie de la letra. Ni la metáfora tiene cabida, tal como en la religión católica.
El matrimonio infantil no es de una sola religión, la idea es compartida en muchas regiones del mundo. Este, sur y centro de Asia; Medio Oriente y Oriente próximo; Norte de África y la región subsahariana, Este de Europa e incluso América Latina.

Soy Nujoon, tengo 10 años y estoy divorciada

Me Llamo Nojoom, Tengo Diez Años Y Quiero El Divorcio es la historia de Nujood Ali quien fue dada en matrimonio por su padre a los 10 años. El esposo y padre arreglaron la unión a cambio de cantidad de dinero. El jeque, líder espiritual, ético y moral presidió la ceremonia “conforme” al Corán. Y es que en Yemen los que gobiernan son los jeques, las autoridades son solo representación oficial para con otros países.
El acuerdo del padre, Nojoom (Reham Mohammed) podría mantener relaciones sexuales hasta llegado su momento como mujer. La primera noche, aludiendo ser su esposo con todos sus atributos y derechos, la poseyó sexualmente. Nojoom fue forzada y violada. A partir de ese momento fue considerada como una esposa, capaz de realizar las actividades propias de un adulto. Era humillada y violentada física y verbalmente.
El caso de Nujood cobró gran relevancia en 2008 porque fue la primera niña que se atrevió a demandar ante un juez penal las violaciones que padecía frente a su negativa por seguir soportando una vida que no quería. Padre y esposo fueron acusados, detenidos y llevados a juicio por la niña
El caso fue retomado y seguida por la prensa local. El esposo se excusó en que el progenitor consintió el matrimonio y que no había una falta. En cambio el padre, argumentó que casó a su hija ante el miedo de ser violada por algún desconocido; ya que su hija mayor fue violada por un joven de su misma tribu. Ente esos sucesos, fue obligado abandonar la villa e irse a la capital, Saná. Ante la falta de trabajo y la dificultad para conseguirlo, vio una salida fácil matrimoniar a su hija más pequeña a cambio de dinero.
El juez (Adnan Alkhader) interpeló con gran astucia tanto al padre como al esposo. Puso en duda las verdades de ambos a través de sharia o el fiqh y la Sunna. El primero, es la ciencia jurídica del derecho musulmán clásico. Trata de todos los problemas de la vida en sociedad. Son interpretaciones jurídicas que eman del Corán y en los hadits. El segundo, es todo lo dicho (con diversos fines y en diversas circunstancias), hecho (el cumplimiento de los mandamientos) o corroborado (aprobación implícita o explícita de lo que hicieran los Compañeros, según las enseñanzas) el profeta; es decir; las lecciones que dio con su palabras y sus hechos.
El jaque al darse cuenta que el padre y el esposo caían en contradicciones en nombre de las costumbres y el honor, ordena inmediatamente el divorcio.
La pregunta para hacerse ante los hechos acontecidos en Yemen, está preguntarse ¿Qué ha cambiado desde el divorcio de Nujood Ali? En 2009, el parlamento yemeníe intentó legislar la edad mínima de 17 años para poder contraer matrimonio. Miembros del partido opositor, Hermandad Musulmana Yemení, argumentando que ni el presidente, ni el parlamento ni nadie, tienen el derecho de prohibir algo que Dios ha permitido. Ya que el islam no fija una edad para casarse y por lo cual no existe problema alguno en la edad. Se defienden diciendo: “¿Por qué ellos hacen un problema a partir de nada?”
 El padre de Nujoon Ali aprendió la lección. Nunca más habría de hacer cosa semejante con sus otras hijas. Solo hasta después de los 22. Nujoon nunca más desea casarse ni pensar en eso. Lo prioritario para ella es continuar estudiando hasta la universidad. Piensa crear una organización para ayudar con el problema del matrimonio a temprana edad.

Acontecimientos actuales en Yemen

En 2011 estalló el conflicto en Yemen. La Revolución de los Jazmines. El fin, derrocar al dictador Ali Abdullah Saleh y evitar su reelección, mantenido en el poder desde 1978. Sale del país el 22 de enero de 2012. El 25 de febrero el vicepresidente Abd Rabbuh Mansur al-Hadi es erigido como nuevo presidente.
Tras la caída de Saleh, hutíes, fuerza más poderosa del país (de creencia chií) se lanzaron contra los Hermanos Musulmanes. En septiembre de 2014 estalló la crisis en Yemen. Los huníes tomaron el control de Saná. Jueves 22 de enero de 2015, presentan dimisión de Abd Rabbuh Mansur al-Hadi. Los rebeldes son aliados de Irán, el rival de Arabia Saudita en el Golfo Pérsico. En marzo de 2015, Arabia Saudita encabezó una campaña militar contra los rebeldes chiitas en Yemen. Hasta 2016 se ha causado la muerte de casi 9000 personas
Más información respecto al matrimonio infantil
https://www.hrw.org/es/news/2011/12/08/yemen-el-matrimonio-infantil-alienta-el-abuso-de-ninas-y-mujeres
ixca.

Ixcanul: el despertar sexual de María

Sociedad y Cultura

 

Inicia tu historia, y ahí estás María. Tímida, silenciosa como el soplar de aire sobre los árboles. Tu mirada, perdida. Como un punto fijo entre dos cerros. Desconsolada sin saber de desconsuelo. A ratos hierves como un volcán. A ratos tan apacible como el amanecer.  Eres tú y tu mundo, tus sentimientos; solo tus sentimientos te acompañan. No conoces el olor de la ciudad. Solo reconoces el olor del café maduro, del humo del comal y el polvo de ixcanul.
No te detienes y sigues tu destino. Tu instinto animal te domina. Te quema. El pozo que da vida, hierve. Solo una ofrenda puede calmar a ese volcán. ¡Sacrifícate! Entrega tu cuerpo para calmar a los demonios que viven dentro. Ya te sacrificaste. Ahora a esperar tu desgracia, María.
14360-H
Ixcanul (2015), de Jayro Bustamante, nos cuenta la historia  de María, basado en hechos reales. Una indígena guatemalteca que vive a las faldas del volcán junto a sus padres. A través de imágenes con fuertes cargas semióticas, Bustamante nos muestra la esencia que rodea la vida de María. Buscar la leña entre las montañas y cargarla sobre la cabeza, azotar las plantas de frijol seco para desgranarlo, cortar el café,  llevar el cerdo rejón entre las hembras y darles aguardiente para que entren en celo, la forma tan directa de matar y con agua caliente pelar un cerdo o el sexo entre papá y mamá mientras la hija adolescente duerme en el mismo cuarto a falta de espacio.
Ixcanul es demasiado real, sincera y pura. Todo aquel que aún guarde sangre indígena entre sus venas podrá sentir la inevitable cercanía de los personajes. El director nos muestra las costumbres, la ideología y la cosmovisión de una familia maya. Les hace justicia a los indígenas a través de sus personajes.
Ambientada con los escenarios naturales chapine como la Reserva Natural El Patrocinio y de las faldas del volcán Pacaya, en el municipio de San Vicente Pacaya.
Guatemala entra como revelación en 2015 dentro de la industria cinematográfica encabezado por Jayro Bustamante en la coproducción Guatemala-Francia con Ixcanul. Bustamante estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de San Carlos de Guatemala y se especializó como ayudante de dirección en el Conservatoire Libre Du Cinéma Français. Viene de producir el cortometraje Cuando sea Grande (2011, Francia-Guatemala) llamando la atención internacional al ser seleccionada en diferentes festivales de cine (Francia, Brasil, Suecia, Berlín).
Jayro no olvida sus raíces. De joven vivió en tierras altas rodeado de la etnia Kaqchikel. Y es esa lengua que retoma en Cuando sea Grande e Ixcanul. Retrata la vida en el campo de algunos indígenas mayas, su relación con la naturaleza, su cosmovisión, su sobrevivencia ante las precarias condiciones de empleo y la desigualdad ante su lengua.
María (María Mercedes Coroy), una adolescente enfrentándose a  su despertar sexual. Juana (María Telón) y Manuel (Manuel Antún), sus padres buscan un lugar para vivir y asegurar su sustento por la cual arreglan el matrimonio de su hija María con Ignacio (Justo Lorenzo), hombre viudo con 3 hijos pequeños. María se enamora de un joven de su edad, El Pepe (Marvin Coroy) que anda de paso en el corte del café y anhela regresar a Estados Unidos.
Grandes descubrimientos hizo el director con María Coroy y María Telón, pues ellas son las grandes protagonistas del filme. Las empodera. Les da fuerza espiritual, gran valentía y fortaleza. Ambas del pueblo de  Santa María de Jesús. Coroy se convierte en actriz como un anhelo desde su niñez y Telón por su experiencia en teatro local de su natal Santa María. Han sido reconocidas como mejores actrices. La primera, en la categoría de Mejor Actriz Internacional en el Festival du Nouveau Cinéma en Montreal y la segunda, como Mejor Actriz en el Festival de Cine de Arte de Eslovaquia.
Ixcanul acaba de recibir su premio número 48. El pasado 24 de julio se alzó como Mejor Ópera Prima de Ficción en la Tercera Edición de los Premios Platino del Cine Iberoamericano, celebrada en Punta del Este, Uruguay.

 

Mar Póster

Mar: lo simple y lo cotidiano

Sociedad y Cultura
Existen historias tan planas que parecería ser un extracto de la vida personal y familiar de cualquier persona. Así es Mar (2014, Dominga Sotomayor), una historia sin mayores pretensiones, que cae completamente lo cotidiano. Mar nos cuenta la vida Eli y Martín (Vanina Montes, Lisandro Rodríguez) una pareja de novios y la madre (Andrea Strenitz) del joven. El extracto de vida se desarrolla en la playa, Villa Gesell, Argentina para ser exactos.
Mar Póster
Con una simpleza en los diálogos, el director nos cuela a la vida de la pareja. Si preguntas por qué se llamaA Mar, una respuesta sería porque a Martín le gusta meterse al mar y a Eli no. Nunca se le ve meterse al agua salada, únicamente a la alberca. Así de simple es Mar.
Martín no piensa aún en hacer una familia. No busca estabilidad. Eli a sus 32 años le preocupa llevar ese estilo de vida, quiere una casa y un hijo, viviendo en un lugar fijo. Al parecer no existe tanta comunicación entre ambos. No hay pláticas profundas. Leer el horóscopo. Ver las noticias. Cenar charlando. Convivir con los compañeros del hotel. Lo más relevante es la noticia en la televisión dela caída de un rayo y la muerte de 3 jóvenes en Gesell esto, mientras se rodaba la película.
Si se le preguntara a alguien de sala si recomendaría la película, el 100 por ciento diría que no. Algunas personas salen decepcionados.
Por un momento, esta película llega semejarse a La Paz (2014, Santiago Loza) por la actuación de Lisandro Rodríguez (Martín) y Andrea Strenitz (Madre). Coincidentemente en ese trabajo de Loza, ambos actores dieron vida a madre e hijo. La Paz y Mar parecerían parte de una trilogía pero no lo son. Santiago Loza nació en Córdoba, Argentina en. Egresó de Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Dominga Sotomayor nace en Santiago de Chile y es titulada en dirección audiovisual y licenciada en comunicaciones, de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Realizó el documental Cessna en 2006 y el largometraje de ficción De Jueves a Domingo en 2012.
La fotografía es buena y es lo que salva el filme.  La película puede caer en lo aburrido como la vida de Martín y Eli. La música también rompe esa lentitud de la vida cansada de los protagonistas, como cuando se escucha Cumbia Sahumerio de Cholita Sound.
Paz-Para-Nós-em-Nossos-Sonhos

Pido paz para nosotros en nuestros sueños

Sociedad y Cultura

No existe un manual para vivir. Vivir es la misión que se nos ha encomendado. Vivir es un proceso de supervivencia con el entorno. Vivimos en tal lugar, en una familia, con unos amigos. Para vivir hay que comer, hay que socializar, hay que aparentar. Vivir es liberar batallas con los demás. Vivir es imperfección. Buscamos la felicidad viviendo.

Existir es la pura batalla con uno mismo. Existir es encontrarse en medio del ruido, de tanta gente, entre la polución, entre el concreto. Existir es el estado puro del alma, del espíritu. Existir es despertar. Es en primer término preguntarse ¿Quién soy? ¿Qué hago aquí? ¿Para qué vivo? Existir es un choque, es un caos. Es sentirse desnudo y titiritando en medio de la nada cuando el todo alrededor está. Estarás más solo que nunca y como nadie. Existir es el conflicto cumbre como seres humanos.

Buscarse es nuestro trabajo. Encontrarse es nuestra meta. El proceso es doloroso. Es un proceso único y personal. Duele en el corazón, en la mente y en la piel. Evadir el dolor no es la opción, callarse tampoco. Llorar por dentro mucho menos. Resistir. Alguien estará contigo en esos peores momentos. Alguien que te ama y conoce el amor más que tú.

Reconocerse en la cordura será la locura para los demás. Sentirse loco o loca será más sensato que podamos hacer.

Paz Para Nosotros en Nuestros Sueños

Paz Para Nosotros en Nuestros Sueños (2015) qué hermoso título. [Suena y resuena, como mantra, como mantra] En algunos años no será fácil de recordar a menos goces de buena memoria. Paz Para Nosotros en Nuestros Sueños es todo un discurso filosófico-espiritual sobre la vida y la existencia. Este es el gran mensaje que nos trae el director Šarūnas Bartas (Sharunas Bartas o Sarunas Bartas) en la película con título original Ramybė Mūsų Sapnuose (Peace to Us in Our Dreams). Para entender el cine de Sarunas es necesario haber visto un par de trabajos de su filmografía pero en este caso basta ver Paz Para Nosotros en Nuestros Sueños para entenderlo y comprenderlo como director y como persona. Al parecer este último trabajo resume toda una vida. Retratada en su más puro estilo y llevada a la catarsis para sus personajes y para el mismo espectador.

Aquí nadie tiene nombre. Etiquetar a un personaje es juzgarlo. Y aquí nadie puede juzgar a nadie. Solo son actores dándoles vida a unas personas. Dos familias diferentes. Una de ciudad y otra de campo. Muestra los contextos vivenciales de diferentes de cada una de esas personas.

La película está rodeada e empapada de misticismo y total misterio, tanto que llegas a confundir esa ambientación con un filme de Lars Von Trier; incluso a Lora Kmieliauskaite vendría a ser el vivo estilo de Charlotte Gainsbourg en la interpretación de su personaje. Esta maravillosa obra está impregnada de muchos elementos que el mismo Terrance Malick utilizó en El Árbol de la Vida o Andréi Tarkovski  en Nostalgia.

Las primera familia (culta)

Integrada por el mismo Sarunas, su hija (Ina Marija Bartaité) y su actual pareja sentimental (Lora Kmieliauskaite).  La psicología del padre y también esposo es de total fortaleza y sabiduría. Es entendimiento, aprendizaje y trascendencia. Es paciente, pacífico y con un aire de frialdad. Al parecer es una persona que ha alcanzado una madurez espiritual. Su hija, una adolescente que ha perdido  a su madre y vive en silencio su muerte. Una pianista, el nuevo amor del padre. Vive un proceso de existencialismo.

La segunda familia (Ignorante)

Compuesta de un hombre (Eugenijus Barunovas) machista, borracho, golpeador y mal hablado. Su esposa (Aushra Eitmontiene), una mujer ama de casa, sumisa. Esta familia ha vivido una vida de completo abandono entre sus integrantes. Son pobres y a su alrededor se respira desdicha, tristeza, enojo y coraje. El peor de los castigos lo inhala el hijo (Edvinas Goldsteinas) al pertenecer a un hogar y ambiente insano.

Cada uno de los integrantes de las dos familias entran en conflicto y el director logra captar esa esencia  de confusión e introspección. Todos los personajes explotan a su manera. Sacan lo que los atormenta. Alivian su alma. La comunicación es el único consuelo. Pobre de aquel que no saque lo que lleva dentro y detone ese gatillo que tenga entre sus manos.

Aquí te dejo algunos filmes del director.

  • In the Memory of a Day Gone By(Praėjusios dienos atminimui) (1990, documentary)

 

resena-critica-pelicula-matar-a-un-hombre

Cómo matar a un hombre

Sociedad y Cultura
Vives con tu familia armoniosamente. Estás casado. Tienes un hijo de cerca 20 años y una hija de aproximadamente 16. Tú eres una persona dedicada a trabajar y a ver por tu familia. No existe un rastro de malicia en ti. Eres la cabeza, el pilar y la fortaleza de tu casa. Un papá que debe ver por sus hijos y su esposa. No sabes en qué momento aparece en el barrio un grupo de personas que se dedican a hostigar e intimidar. Se ensañan contigo. Poco a poco van conociendo todo lo relacionado a ti. Han logrado su cometido. Tienes miedo de salir a la calle solo y por las noches. No sabes si te los encontrarás. Si es así, agachas la cabeza y evitas cruzar palabra con ellos. Hablan de ti y se burlan mientras caminas. Evitas escuchar y solo te centras en tus pasos….
Una noche te rodean y te quitan la cartera. No encuentran lo que buscan y te tiran lo que traes. Tú hijo no tiene miedo y se atreve a enfrentar al cabecilla. Lo lesionan con arma. El ladrón resulta culpable y es condenado a un año y medio de prisión. Al salir dedica en hacer una pesadilla a tu familia. En una ocasión, llega éste a gritar afuera de tu casa, apedrea y avienta botellas. Las denuncias no proceden. Se meten con tu hija, la acosan, la siguen. Un día la atrapan y la manosean. Le meten los dedos en su parte íntima….

1920x1920

 

Matar un hombre (2014, Alejandro Fernández Almendras) lo dice todo.  Sí existe un asesinato. El director poco a poco nos muestra el contexto que impulsa a cometer un crimen. Solo en el cine el público te da la razón. Se ponen en tu lugar en cada paso de la vida tormentosa que te han logrado causar. En la sala nadie se indigna de la decisión de asesinar a esa persona que tanto daño te ha hecho en los últimos años. El espectador aprueba tu conducta. Nadie soportaría que le hicieran eso.
Un hombre bueno ha cometido un asesinato. Hace un momento escuché esto: “en el miedo debes encontrar la valentía” y eso precisamente fue lo que hizo Jorge (Daniel Candia) ante las denuncias que no prosperaban y su impotencia de no poder hacer nada. ¿Cuál sería el final para su familia? ¿Esperar cruzado de brazos mientras su hija es violada? Esa fue la gota que derramó el vaso. Buscar y encontrar la justicia por propia mano. El coraje venció el miedo.
Jorge no se atrevió a halar el gatillo. Aún con miedo enfrentó al enemigo. Éste resultó ser un cobarde que no se resistió. Al parecer, la premeditación del acto falló. Jorge no tenía la intención de matar a Kalule (Daniel Antivilo) pero algo salió mal. Quería demostrar su valentía castigándolo para demostrarle que no es el tonto que él cree. Lo sorprende con un rifle. Lo encañona y lo obliga a meterlo a un camión furgonado con frigorífico. Lo saca de la ciudad y lo lleva hasta el lugar donde trabaja, el Centro de Investigación Ambiental. Con miedo, abre las puertas y aparece un Kalule, desvalido, arrastrándose y pidiendo que lo saque. Jorge vuelve a cerrar la puerta y activa algunas mangueras dentro del camión (parece aumenta la potencia del frigorífico). Kalule muere de hipotermia e intoxicado por el humo del camión.
Matar a un Hombre está basado en hechos reales. Sí sucedió y fue en Chile. Almendras logra retratar muy bien la psicología Jorge, como un hombre inseguro y miedoso. Un asesino novato que se vale de lo que tiene a la mano para hacer el trabajo. Secuestrarlo, castigarlo, asesinarlo, tirarlo y volver a recoger. Todas las maniobras que utiliza son inconsistentes y tontas. Al final, su culpa lo lleva hacer lo que un hombre bueno haría. Llevar el cadáver a la policía y entregarse por su propio pie.
La película fue grabado en Tomé y Concepción de la región Bío Bio. Una coproducción Chile-Francia.
Una última crítica estaría dirigida a la Cineteca Nacional y a los seleccionadores del cartel de las películas, ya que este filme se estrenó en Chile en 2014 y lo puedes ver hasta en Youtube. Lo mejor sería que las opciones abarquen las estrenadas en 2015 o incluso en 2016. Sin duda, es de agradecer que Chile sea tomado en cuenta en cada foro o muestra y siempre será de gran oportunidad de continuar viendo el mejor cine latinoamericano.
Epitafio

Héroes con epitafio

Cultura y Comunicación
Hoy pasó lo que no me gusta que pase. Llegar tarde y no alcanzar la película que tenías planeada ver. Eliges otra opción. Sinceramente Epitafio no estaba dentro de mi lista y aun así me arriesgué. La lección; nunca ver una película por el solo hecho de ser parte de un foro o muestra.  No es que la película sea mala, al contrario es muy buena pero sinceramente, no me gustó.
Epitafio (2015, Yulene Olaizola, Rubén Imaz) es un largometraje histórico. Las principales producciones mexicanas que son basados en hechos históricos y que se han llevado a la pantalla grande pertenecen a tres hechos importantes que inspiran patriotismo o nacionalismo; La Conquista (Cabeza de Vaca, 1990; La Otra Conquista, 1998; Eréndira, la Indomable, 2007),  La Independencia (Hidalgo, la historia jamás contada, 2010; Morelos, 2012; Su Alteza Serenísima, 2004; El Baile de San Juan, 2010) y La Revolución (Vámonos con Pancho Villa, 1935; El Atentado, 2010, Chico Grande, 2010).

¿De qué trata Epitafio?

Yulene Olaizola, Rubén Imaz nos cuentan un hecho histórico de acuerdo a las crónicas de Bernal Días del Castillo, Hernán Cortés y del propio Diego de Ordaz quien se le fue encomendado para hacer la primera expedición en el volcán Popocatepetl, el resultado fue el descubrimiento de azufre, el cuál fue decisivo para el armamento que se necesitaba para entrar a México Tenochtitlan y destruirla.

epitafio-464047159-large

Los primeros diez minutos todo parece perfecto. Es cuando los indígenas acompañan y muestran el camino de cómo llegar a la cima del volcán. Hay una pausa y la fotografía es perfecta. El volcán exhala y deja estupefactos a los ahí presentes. Es la señal del volcán de su descontento por lo que está por suceder. La toma del rostro del jefe indígena impresiona. El sonido y la iluminación brillan. Comienza la odisea. Un viaje de supervivencia ante las inclemencias del terreno y de las condiciones ambientales. Poco a poco se dan cuenta que el presagio pinta aterradora. El cansancio, el frío, la presión y solo un acto osado los anima; la gracia de Dios y el sacrificio en nombre del  Emperador Carlos I.

Epitafio-escene

El hecho como historia pasa a tercer término. Los directores solo quieren mostrar el sufrimiento de esos conquistadores. Quitemos de nuestra mente la gesta. Ahora son dos humanos atemporales, buscando cumplir su deseo y compromiso a costa de los más crueles sufrimientos.
Cansa tanta consideración hacia sus personas. Cansa escuchar el mismo sonido ambiental. Cansa el recorrido y cansa la monotonía de la misma exploración. Cansa la redundancia del espacio, de que los directores busquen sobredramatizar algo que por sí sola se dramatiza. No hay algo nuevo que mostrar. Todos sabemos lo que significa escalar un volcán. El frío se siente sentado en la butaca. El aire te cala los huesos. Un casco que cae, rueda, rueda y rueda hasta sobre un terreno que no es posible que ruede, y es así donde se detiene.
Se les olvidaba metaforizar, entonces, ante el dolor de oídos, perforar unas orejas, y la sangre escurre. Un flechazo cerca del corazón para indicar dolor, cansancio, ahogo u asfixia. El imponente escenario encantó a los directores y buscaron retratar todos los ángulos, los amaneceres, atardeceres, las noches.
Hay cosas inevitables de reconocer. El trabajo estupendo que llevaron a cabo para poder grabar antes las condiciones del frío y las irregularidades del terreno. Ese sonido que calaba como el mismo frío. Las actuaciones de Xabier Coronado (Diego de Ordaz) y Martín Román (Gonzalo de Monovar) no hay algo que criticar. Alejandro Otaola, se lleva las palmas en la musicalización al igual que Emiliano Fernández en la fotografía; y ante todo ese sentimiento poético que toda la ambientación impregnaba.
Epitafio está hecha con una visión pretensiosa si se quiere, es una película para venderse al extranjero como un producto totalmente de arte. El título engancha desde el primer momento que lo lees y tu mente podría llevarte a evocaciones de muerte dolorosa o inesperada o de igual forma de una  gesta heroica que debería ser recordada con un total orgullo. Al final el Epitafio no se concreta en el filme. Nadie muere. Sin ser Epitafio y sin evocar un gesta heroica de 1519, la película podría haber dado para más.

 

te-prometo-anarquía-2

Nuestro ahora, nuestra anarquía

Sociedad y Cultura
Te prometo anarquía” (2015, Julio Hernández Cordón)  sería  una clara promesa de amor hacia alguien que se pierde y no precisamente porque se muera. Este es el mensaje que nos trae la película del mismo nombre plagado de juventud, amistad, libertad y amor. Cordón es un ciudadano y director multicultural. Nacido en Estados Unidos, registrado como Mexicano y Guatemalteco y ha vivido entre México, Guatemala y Costa Rica. Tiene una visión diferente para retratar la urbanidad debido a que ha tenido contacto vivencial con lugares de gran diferencia social, política y económica.
Cordón tiene en su haber fílmico cinco largometrajes Gasolina (2008), Las marimbas del infierno (2010), Polvo (2011), Hasta el Sol Tiene Manchas  (2012 Experimental) y Ojalá el Sol me Esconda (2013) y varios cortometrajes como Km 31 (2003), De mi Corazón un pedacito tú tienes (2004) y Maleza (2008) y documentales como Norman (2005) y Sí Hubo Genocidio (2005).
Te_prometo_anarquia
Te Prometo Anarquía no es un documental como creía, no es un una película con el cliché que nos han vendido de los anarquistas en los medios de comunicación. Anarquía es la adolescencia, es la juventud, son los tiempos que corren, es una forma de llevar nuestra vida privada, es no etiquetarse sino ser uno mismo, es aprender a vivir y madurar. Es un drama sobre la juventud y sus formas de ver la vida y de vivirla. Te prometo Anarquía es una oda a la juventud. Es un suspiro de aliento y comprensión.
Ambientada en los espacios público de la Ciudad de México, Te Prometo Anarquía, te muestra un lado de convivencia con la sociedad. No te muestra los barrios bajos y su forma de vivir. Evita mostrar lo peor de las calles sino que lo adorna con acrobacias y deporte para que parezcan espacios de cultura, donde los jóvenes están inmersos y son parte de esa conjugación de diversidad. Son ellos y sus vidas y la vida de sus conocidos, amigos y familiares.
Aquí no hay una trama. Basta retratar la vida de los jóvenes y lo que existe o puede existir detrás de un grupo de amigos katers que se divierten y gastan su tiempo entre cuatro ruedas. Hay una planificación para su introducción su desarrollo y su desenlace.  El director entreteje la realidad social que aqueja a los jóvenes y a la sociedad mexicana, el narco. La sexualidad y las ambiciones pueden pasar la factura de una vida hacia la deriva. El final sin duda, te deja sin aliento y quisieras abrazar a Miguel (Diego Calva Hernández) ante la ausencia y el recuerdo del Johnny (Eduardo Martínez Peña)
¿Qué psicología tiene un skater? En esta película, Cordón retrata con delicadeza a sus personajes, ellos tienen sensibilidad, los dota de cierto status por ser los protagonistas. Hay una diferencia entre ellos y los extras.
En cuestiones de tomas, la cámara se vuelve un aliado y un espía. Siempre los dirige de frente y los acompaña desde el asiento trasero del auto. Se queda quieta, observa y mantiene su mirada a lo lejos, los persigue de un lado a otro desde un punto central.
Excelente musicalización a cargo de Erick Bongcam y Alberto Torres. La música lleva de la mano y abraza a los personajes, los acompaña y los consuela. La música completa el arte de toda la película.
Me gusta que el cine me sorprenda y esta vez no fue la excepción. Ante mi gran sentido del prejuicio, quiero verlo como una virtud para inventar respuestas que me gustaría fueran acertadas sin conocer antecedentes de lo que miro o pienso. Jugar a acertar, ese es una forma divertida de ver el mundo. Hacia la espera de una sorpresa, evito leer las sinopsis de las películas porque no quiero deducir toda la historia leyéndola en un párrafo. Prefiero ver el título y leer con la mirada el afiche o imagen que denomina a la película y crear desde la nada, desde un espacio inhabitable, ante un papel en blanco. No leer sinopsis le das oportunidad al director, le otorgas el beneficio de la duda ante el crédito de su trabajo. Se dice que las películas mexicanas son menos concurridas por el espectador ávido de producciones hollywoodensas, no saber quién realiza el trabajo que está por mirar es un gran aliciente por descubrirlo.
Me gusta imaginar. Me gusta equivocarme para mí mismo. Me gusta aprender. Y así llego a la sala de cine, como una hoja en blanco con la intención de devorarme cada instante de la película; los sonidos, las voces, los tonos, las entonaciones, los colores, el vestuario, la ambientación, la música, el encuadre, los movimientos; respirar lo olores, sentir los alientos, reírme y llorar ante una nueva creación y admirar y reconocer quien lo hace.
Fue hermoso y emocionante escuchar el poema La Balada del Ahora de Ashauri.
Nos volvemos lo que éramos antes. Un cacho de carne. Una promesa de borrachera. Los tenis rotos de la secundaria. La tela de tu primer brassiere. Mi primer jabón con pelos. La piel entrando y saliendo. Subiendo y bajando. Deseando y olvidando. Hemos crecido tanto. Hemos cabalgado camas. Hemos destruido amaneceres y ahora estamos solos. Inciertos. Con el tiempo devorando nuestros huesos. Somos una generación de enfermos. A veces felices. A veces con odio. A veces mirando al cielo. Esperando a que llegue un rayo. Un dios. Un avión lleno de amor verdadero. Esperando a que alguien nos resuelva el siglo sin vivir un infierno. Con cigarro en mano platicamos. Lloramos. Nos besamos con el humo de futuro. El líquido de futuro. El último aliento que nuestros padres llamaron futuro. Y que en realidad viene vestido de presente. Y no se siente. No es complaciente. Es lo único que se atreve a hacernos frente. Un espejo a las cinco de la mañana. Ojeras. Golpes. Rasgos de vejez en tu cara. Los años que tanto sonreíste. Las tardes que imaginaste eternas. Huyendo. Viviendo. Volando hacia el sol como gaviotas quebrando este sistema. Nacer y devorar. Devorar y pagar. Pagar y matar. Matar y bailar. Bailar y volar. Vamos a volar hasta que se nos caigan las piernas. Vamos a reinar en los cielos y en una ventana rota. Vamos a besarnos antes de que se nos destruya la era. Un edificio en tu cabeza. Un avión en mis labios. Fuego. Gritos. Tantas muertes y cada viernes en la noche volvemos a marcarnos. Para decirnos mentiras vivas. Que piden leche. Piden pan. Piden que las arrulles hasta caer dormidas. Somos nuestra propia generación. Somos nuestro propio monstruo. Somos nuestro propio ahora. Y aún así, nos estamos queriendo.
julieta-cartel-b

Esperando a Antía y encontrando a Julieta

Sociedad y Cultura
¿Qué espera un cinéfilo al asistir al estreno de una película de su director predilecto, quien ya pertenece al denominado cine de autor? La respuesta podría variar en cada espectador dependiendo de una o varias aspectos de la obra cinematográfica o el todo en su conjunto.
Si hablamos de Almodóvar nos referiremos a películas con un contenido profundo en sentimientos de deseo sexual y todo lo que encierra en las personas. El deseo como una bomba implosiva y explosiva abarcando un gran número de expresiones. Sin duda es lo que ha caracterizado la gran mayoría de los trabajos que hasta ahora lleva realizados.
Su anterior trabajo, Los amantes pasajeros (2013) fue centro de gran número de comentarios negativos por sus seguidores y por la crítica. Veintidós años después de haber rodado Kika (1993) se atrevió a reencontrar con la comedia con este trabajo que no fue tan alabado.
Julieta en letras de Alice Munro
julieta-518304442-large
Después de tres años de espera, Almodóvar nos entrega un nuevo trabajo, Julieta (2016) basado en “Destino”, “Pronto” y “Silencio”, tres relatos del libro Escapada (2005) de la escritora canadiense Alice Munro, premio nobel de literatura en 2013.
La historia de Julieta ya estaba predicha desde la escena donde Marilia (Marisa Paredes) le lleva el desayuno a Vera (Elena Anaya); la cámara afoca el título y autor del libro entre los brazos de la criada. Para Conocer la esencia del director solo basta leer sus películas; las paredes, los colores, las texturas, los cuadros, la música, y todo aquello que aparezca sobre la pantalla del cine. En ese libro, en esa escena y de esa película en especial nacería Julieta; y es que para el director, Alice Munro es la mejor escritora de relatos en lengua inglesa. Al igual que en La piel que habito, en Julieta, Almodóvar se ha volcado a homenajear a su escritora predilecta.
Alice Munro - Escapada
El mundo femenino en Munro embonaban perfectamente a las dramáticas protagonistas que Pedro logra plasmar en sus obras, esa sería una buena razón o una coincidencia elevada al cuadrado para lograr un excelente trabajo. ¿Qué tan atinado fue elegir tres relatos cortos y convertirlos en una sola historia para suponer que tendría el éxito que tuvo La Piel que Habito basada en la novela Tarántula de Thierry Jonquet o Carne Trémula con base a Live Fresh de Ruth Randell?
Julieta, el Personaje
Julieta, a secas. ¿Qué encierra el nombre Julieta con solo hecho de pronunciarlo? ¿Tiene una evocación literaria o histórica para ganarse el título de la película? Debió de tener suficiente peso en el propio director para haberla nombrado de esa forma. Julieta para Almodóvar debió de significar la plena realización de todos sus personajes dramáticos puesto que Kika (1993) se llevó la corona para su contraparte con la comedia.
Sobre si Julieta como título o si las actrices que la personificaron fueron asertivas da mucho de que analizar ya que historias mucho más dramáticas vivieron Lena (Los Abrazos Rotos), Becky de Páramo (Tacones Lejanos), Manuela (Todo Sobre mi Madre), Pepa (Mujeres al Bordo de un Ataque de Nervios), Leo Macías (La Flor de mi Secreto); e incluso Vera Cruz/Vicente (La Piel que Habito) o Zahara/Juan (La Mala Educación); y sin embargo ninguna llevó el nombre de su personaje.
Al inicio del rodaje, Julieta se manejó como Silencio, el cual podría haber sido un título idóneo y pasar desapercibido ante un posible vaticinio de fracaso o crítica; pero no sucedió así, incluso la película pudo haberse llamado Ausencia, Luz Silenciosa, A la Deriva, Sangre Invisible, etc. aún así el silencio de Julieta no basta para dar soporte a todo una historia.
En cuanto a la participación de Emma Suárez y Adriana Ugarte da de qué hablar debido a que ninguna de las dos había trabajado como Almodóvar.
Emma Suárez tiene una extensa y variada carrera como actriz de cine. Cerca de cincuenta películas en su currículo. Incursiona en el cine protagonizando Memorias de Leticia Valle (1980, Miguel Ángel Rivas). Se consagró con la dirección de Julio Meden protagonizando Vacas (1992), La Ardilla Roja (1993) y Tierra (1995). Después es llamada a estelarizar las últimas dos películas de Pilar Miró, Tu Nombre Envenena Mis Sueños (1996) y El perro del hortelano (1996) con ésta última fue nominada a 12 categoría en la XI edición de los Premios Goya, resultando ganadora como mejor directora y  Emma Suárez como mejor actriz protagónica.
Adriana Ugarte viene de participar en un gran número de series y películas con poco reconocimiento. Dentro de sus participaciones principales se encuentran Cabeza de Perro (2006, Santi Amodeo) Lo contrario al amor (2011, Vicente Villanueva), Combustión (2013, Daniel Calparsoro) y Palmeras en la nieve (2015, Fernando González Molina).
¿Qué le falto la película Julieta?
Creo que Julieta no tuvo la fuerza suficiente para llegar y atrapar al espectador. No se aterrizó una historia concreta y compleja como en sus dramas anteriores, aunque sí creo que el tratamiento atmosférico fue adecuado para un drama, el cual llega a ser un poco ambiguo y poco creíble. La pérdida de un ser querido puede causar un tremendo dolor y culpa cuando parte de improvisto. Dejando en ese momento una maraña de sentimientos inconclusos de odio, coraje, desprecio, despecho, desconfianza e indiferencia; eso lo que le sucedió a Julieta en el momento que Xoan parte a altamar después de que él le confiesa que ha tenido una relación abierta con Ava (Inma Cuesta). Ese rompimiento de confianza entre Julieta y Xoan es el inicio de la más cruel autoflagelación de culpa por parte de la protagonista por un lado; y por el otro, el no confesarle a su hija lo sucedido y ocultarle la verdad. Vivir una vida de culpa de la mamá y ser castigada con el rechazo y el ignoro por la hija, son extremos casi fuera de todo argumento hasta de la vida real al igual como el diáologo “Antía (Blanca Parés) ha elegido su propio camino y usted no forma parte de el”.
Todo se dejó entrever pero no se abordó con solidez. Como la madre (de Julieta) deprimida y el esposo con su amante. Quizá si se abordara desde una perspectiva de repetición de patrones de la madre y la hija (en cuestiones de depresión e infidelidad) podría haber tenido mayor tolerancia.
Quizá más elementos semióticos que le dieran soporte y firmeza a Julieta como mujer, a su amor, su agonía, su culpa. Algún personaje que inspirara odio o coraje o de perdido alguien que mostrara cierta comicidad. Al final todos los personajes son grisáceos. Menos Marian (Rossy de Palma), su carácter de mujer fuerte y dura llega a suspirar algunas risas entrecortadas pero hay que callarse de inmediato porque su personaje no está inspirada en la comicidad.
El Volver que no llegó
En Volver (2006) Pedro nos contó la historia de una madre (Carmen Maura) que desaparece ante los infortunios hechos en las que se ve envuelta. La película obedece al nombre de su retorno, el encuentro con el pasado y con sus hijas. Aquí el director reencuentra a los personajes a través del perdón y la reconciliación; es decir, resuelve el problema de la ausencia.
Volver - Reencuentro (2)
 En Julieta, Pedro retrata la misma ausencia pero con demasía. Se vuelve un letargo para la madre que anhela la llegada de la hija como para el espectador que espera el reencuentro y la reconciliación. No sucede. Quizá porque la escena significaría un retroceso a algo que ya se había visto.
Julieta - Reencuentro
Los “elementos” Almodóvar
Como siempre, el rojo está presente en la vestimenta, el coche y las paredes. Quizá el momento idóneo para plasmarlo pudo haber sido desde que conoce a Xoan y hasta antes de su muerte y después no evidenciarlo ni por un solo instante, y haber utilizado colores como el negro o el gris,  ante la pérdida, la depresión, la angustia y la desesperanza.
Solo una “Chica Almodóval” trató de dar soporte a la dramática Julieta. Rossy de Palma (Marian) lo hizo, le dio soporte al filme pero no fue suficiente puesto que no era su responsabilidad como protagonista. Marian se come a todos los personajes por su calidad histriónica. Ese matiz del personaje similar al de Marian lo tuvo Marilia (La Piel que Habito) como la amada de llaves, La Agrado (Todo Sobre mi Madre) como la amiga incondicional de Manuela, Agustina (Volver) una vecina con cáncer que busca a su madre, Juana (Kika) era la sirvienta lesbiana o la lectora de labios interpretado por Lola Dueñas (Los Abrazos Rotos).
Algunos otros que han trabajado con Pedro, son Darío Grandinetti (Lorenzo) y Susi Sánchez (Sara) pero dado a que no son tan importantes en la historia quedan desapercibidos y sin ninguna actuación notable.
El tiempo como elemento está presente como en la mayoría de los últimos filmes de Almodóvar. Los acontecimientos ocurren en el pasado hasta llegar al presente. No existe mayor trama y si la hay no se le dio la importancia necesaria, como por ejemplo cuando Marian le cuenta la verdad a Antía sobre su padre y Ava.
 En cuanto a la música, el sonido característico de Alberto Iglesias se nota desde un primer momento, a estas alturas no se puede concebir un drama sin la musicalización de este músico clásico pero en esta ocasión si  Chavela Vargas fuera la musicalizadora de todo el filme hubiera sido igual de acertado. Julieta le queda debiendo mucho el tema Si No Te Vas, de La Chamana porque con solo escucharla uno se rinde ante las emociones del anhelo aún sin la existencia de Julieta (película).
Pedro Almodóvar es todo una institución dentro del cine español y es reconocido por su estilo dramático y personal de contar historias dentro de la cinematografía; y alrededor de mundo mantiene a un buen número de partidarios amantes de su trabajo. La peor película de Almodóvar deberá ser calificado por sus propios admiradores y por la misma crítica; esperemos que el tropezón con Los Amantes Pasajeros no sea un aditivo hacia el declive de Almodóvar como director. Al parecer Juliet no estaba predestinada a ser transformada en Julieta, a falta de mayor trama, mayor realce en sus personajes, una mejor convicción de la historia. Su linealidad, de retomar el pasado, el presente y su conducción hacia un futuro. Nos quedaremos con la duda del personaje de Antía, de su transformación, de su madurez, de toda su persona y ante todo de la actriz que la encarnaría. Al final el triunfo y protagonismo está delimitada por la hija y no por la madre. Antía la mató el director.
Desierto2

Cazador del desierto

Sociedad y Cultura

Podría pensarse que retomar una temática recurrente dentro del cine, como es la migración hacia Estados Unidos, suele ser algo trillado y un problema sobre entendido; pero todo depende desde el cristal dónde se vea y en este caso, desde la visión del director que esté contando una historia.

Desierto3.jpg

En El Viaje de Teo (Walter Doehner, 1999) vimos a un padre morir en el desierto por deshidratación, o en 7 Soles (Pedro Ultreras, 2009) donde un grupo de indocumentados se enfrenta al infierno del desierto, al igual que la primera;  Norteado (Rigoberto Pérezcano, 2009) se contextualiza en el cruce entre México y Estados Unidos y nos narran historias de los que migran y de los que viven en la zona limítrofe,  en Sin Nombre (Cary Joji Fukunaga, 2009) conocimos la historia de unos inmigrantes salvadoreños violentados por la mara salvatrucha infiltrada en territorio mexicano,  y dentro de lo más reciente, está La Jaula de Oro (Diego Quemada-Díez, 2013), con diferentes elementos, ambientes y contextos en sus personajes.

El gran número de películas, documentales (Quién es Dayani Cristal, Which Way Home, La Bestia, El Coyote, El Tren De La Muerte), reportajes o series televisivas narran una historia diferente dependiendo el año, ya que como cualquier proceso social los elementos cambian y se suman otras más, haciendo cada vez más difícil el tránsito y la sobrevivencia hacia el aún llamado sueño americano.

El tema migración puede representarse con una línea del tiempo que va de sur a norte, y puede empezar en Centroamérica, pasando por México y terminar en Estados Unidos; o jugar con el espacio y el tiempo, empezando y terminando en cualquier punto de la línea, según como el escritor le convenga ordenar a sus personajes.

Desierto (Jonás Cuarón, 2015), es el más reciente largometraje que habla de los migrantes contextualizada en una época donde el odio se acentúa en nombre de un nacionalismo puro. Hijo de uno de los directores con gran éxito del cine nacional y hollywodensa, nos sorprende con este thriller que nos mantiene atónitos en la butaca desde el principio hasta el fin.

Jonás Cuarón viene de dirigir un par de cortos (The Shock Doctrine, 2007 y Aningaaq, 2014), ser el co-escritor de Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) y de dirigir su ópera prima, Año Uña (2007).

Desierto tiene un gran soporte como el de Gael García Bernal y Jeffrey Dean Morgan (actuación), de Alfonso Cuarón (Productor), Woodkid (música) y el asesoramiento indirecto de los renombrados González Iñárritu y Emmanuel Lubezki y eso es más que garantía para mantener la atención en todo el mundo y en los festivales de cine para ser nominado a varias categorías en premiaciones.

Desierto llega y nos sumerge en un momento muy delicado del actual contexto político y social. Desde el destape de Donald Trump como candidato a la presidencia de Estados Unidos, cada vez se enardece la división de dos américas en un solo continente. Por un lado, el odio ya no solo a los migrantes sino a toda la comunidad latina radicando en ese país  y por otro, el discurso de supremacía que se pretende posicionar a través de un nacionalismo puro. Aunado a la venta indiscriminada de armas y el racismo histórico que se tiene frente a los afroamericanos, donde una bandera confederada insignia de orgullo poco a poco se va transformando en símbolo de racismo y discriminación.

Así, otros tiempos de cocinan entre grupos políticos, ultraderechistas y ultraconservadores para alimentar diferencias en la mente colectiva del territorio estadounidense. No sabemos cuánta ficción haya dentro de la historia que nos cuenta Jonás pero es bien sabido que existen los cazamigrantes en territorio de Texas conocidos como “Patriots”, “Oathkeepers”, “Three Percenters” o “Minuteman” y lo último, es la utilización de perros amaestrados para cazar inmigrantes.

La película

La película inicia con una escena del amanecer en el desierto en algún de Baja California Norte y Sur que me remontó a una toma similar que duró varios minutos en Luz Silenciosa (Carlos Reygadas, 2007). Si bien es el desierto donde ocurre el inicio y el final de la historia, el nombre debería de ser algo que aluda al asesino en serie y su forma de cazar a los migrantes porque al final “Desierto” se viene quedando muy corto.

Desierto2

El audio y la musicalización son un gran acierto que hipnotiza. El ritmo es tan constante al igual como lo vimos en Miss Bala (Gerardo Naranjo, 2013) y la música tan potente como en Gravity (Alfonso Cuarón, 2013).

En cuanto a las actuaciones pareciera que Sam (Jeffrey Dean Morgan) se gana las palmas y el odio como protagonista, incuso antes que Gael García Bernal (Moisés); de ahí, nadie tiene una actuación sobresaliente, incluso ni la de Adela (Alondra Hidalgo) como actriz secundaria y mucho menos las de reparto, Mechas (Diego Cataño) y Marco Pérez (Lobo) a quiénes no se les dio oportunidad de demostrar su experiencia histriónica.

Mandarinas3

Absurdo negocio de mandarinas en tiempos de guerra

Cultura y Comunicación

Al parecer las guerras nunca dejarán de tener vigencia. Es increíble como dos bandos se disputan las tierras de otros para tener el dominio y su control. Dos alianzas encabezados por dos o más personas soberbias con ansias de poder. Las mentes intelectuales arman toda una estrategia bélica sin importarles la vida de los que mueren en la contienda, soldados de ambos bandos y civiles; son los que definen la balanza entre el que gana y pierde, pero ¿Quién da el derecho a matar?

En una guerra hay los que huyen, los que se quedan y los que se unen al combate. Todos con sus respectivas razones. Los que huyen porque no quieren morir, los que se quedan porque no tienen la posibilidad para hacerlo o el desapego les impide moverse;  los que se unen a la guerra porque no tienen otra salida para ganarse el sustento o para defender los intereses de su país.

Mandarinas (Mandariinid [Tangerines] 2013) de Zaza Urushadze cuenta la historia de los que se quedaron, pero también de los que se unieron a la guerra. Urushadze nos envuelve en la vida de cuatro personajes que convergen en una pequeña villa en abandono.

mandarinas

El contexto geográfico en el que se plantea Mandarinas es la región del Cáucaso, zona limítrofe entre Medio Oriente y Europa Oriental; entre el Mar Negro y el Mar Caspio. Históricamente esta región fue habitada por asentamientos estonios (Estonia) por más de cien años. Hablar del Cáucaso es hacer referencia a una multiculturalidad (razas, etnias, lenguas, religiones) entre sus habitantes.

Específicamente retoma la guerra civil entre Georgia y Abjasia en 1992 y sus aliados (el resto de los países caucásicos y Rusia). Al iniciar el conflicto armado miles de estonios regresaron a su país natal, solo unos cuantos decidieron quedarse. Ivo (Lembit Ulfsak) y Margus (Elmo Nüganen) son amigos y vecinos que se han quedado en una pequeña villa de Abjasia. Ivo, un anciano sereno y sabio y Marguns, un señor renuente y preocupado por cosas y situaciones de la vida. A Ivo, lo atiene la tumba de su hijo, muerto por la guerra y Margus, su parcela de mandarinas; que por amor a su cultivo no desea verlo echado a perder, así que espera cosechar, vender y luego irse a Estonia.

La otra parte de la historia la encarnan Ahmed (Giorgi Nakashidze) y Niko (Misha Meskhi), un checheno y un georgiano. Ambos soldados de bandos contrarios, que en su pelea por vencerse terminan heridos. De donde viene Ahmed se trata a las personas mayores con gran respeto, es por eso que se dirige a Ivo como “abuelo”, además que sus palabras convertidos en promesas valen el peso en oro. Él es un soldado ignorante y ante la necesidad, se vuelve un mercenario que mata por un sueldo. En cambio Niko, es un joven culto; conocedor de historia y de las artes. Pero al parecer es más fácil encarrilar hacia la razón a un mercenario que a un culto, ya que este último a través de su conocimiento se alza en nombre de un nacionalismo al creer en algo que le pertenece y lucha  por ese ideal.

El sentido del odio, la venganza y la guerra se disipa cuando se ponen dos hombres en casa ajena y en condiciones vulnerables. Es lo que sucede a Ahmed y a Niko, que al encontrarse con un anciano recto y enérgico pone a ambos en su lugar y poco a poco van aprendiendo el valor de la amistad, del agradecimiento, la vida y la hermandad.

Mandarinas es un filme in memorian a la historia y a las raíces de millones de personas que comparten un territorio dentro de un país. Retrata el significado de las guerras para reconciliarse entre los que más la sufren y los que no logran cultivar su espíritu de amor y tolerancia.